──ようやく文房具コメディが実現しましたね。
『サーフィンUSB』の頃から考えていたので、5年かかりました。いつもそうなんですけど、この題材を劇にできたら、劇団としてまた新しい地平が切り開けるという予感があったんですよ。でもこれができるようになるには、結構劇団の実力や、周りの理解が必要になるだろうなあと。だからやっと実現できてよかったというのが、今一番の感想です。

──確かに最初言い出した時は、観客だけでなくメンバーも「何言ってんだ？」って雰囲気でしたし。
そうでしたねえ。そういう突飛な題材をやったら、お客さんも劇団員も心の準備ができてなくて、あまり雰囲気が良くないまま終わるってことが、初期の頃はたまにあったんです。だから今回は「文房具コメディやります」と言い続けて、次第に「じゃあどうやるんだろう？」と期待する雰囲気を作っておいたのが大きかったですね。やっぱりやりたいことは、口にして言っておくもんだと思いました（笑）。

──今回はいかにも「SFだろうなあ」というタイトルでしたね。
文房具という言葉を使ったタイトルを考えているうちにこれが浮かんで、それ以外のタイトルが思いつかなくなったんです。でもあまりにも作る時にハードルが高くなりそうなタイトルだったので、いったんちょっと寝かせておくことにしました。その代わりに上演したのが（昨年の）『ビルのゲーツ』だったんです。

──じゃあもしその時に良いアイディアが出ていたら、公演の順番が入れ替わってたかもしれなかったと。
それはあったかもしれません。でも『ビルのゲーツ』をやったから、文房具コメディはまた一回休みかなあ、とも思ったんです。どっちもビジネスっぽいじゃないですか？ 文房具もITの世界も。でも考えているうちに、割とテイストを変えられそうな気がしてきたんです。前回がどんどん大きな物に立ち向かう話だったから、今回は小さい所に掘り下げていく感じにすればいいんじゃないかと。

──『ビル』とは対照的な世界に。
そうそう。前回は男性たちが戦う話になったから、今回は女性目線っぽくして、何かを見ていくだけのような話にしたいなと。たとえばカタログ本って、ただ読んでるだけでも面白いものじゃないですか？『Windows5000』はまさにそういう構造の劇にできたし、今回もただ文房具を見ていくだけの話にしようと思いました。本当は『ビルのゲーツ』もそういうものにしたかったんですけど、作っていくうちにああなっちゃったんですよね（笑）。

──ヨーロッパ初出演の川岡さんと中西さんの参加は、どういう効果がありましたか？
川岡さんみたいに、出てきただけでパッと舞台が明るくなるようなエネルギーを持ってる人って、意外とそれまで出てなかったんですよ。それがさすがだなあと思ったし、ご一緒してすごく新鮮でした。中西さんは「それ普通劇団員がやることだろ」っていうような細かいつなぎもちゃんとやってくださるし、ダンサーさんだからパッと華やかなこともやれる。岡嶋さんと吉川さんもそうですけど、みんながそれぞれの世界で培ったことを持ってきて、ヨーロッパのテイストを理解した上で混ぜ込んでくるということを、ちゃんとやってくださる人ばかりで良かったです。

──今回は「いつもよりも脚本が早い」とみんなが言っていたように、割とスムーズに完成できたそうですが。
今回は各シーンの中心となる文房具を先に決めて、そのシーンごとに話を作っていくというやり方だったんです。つまり基本的なお皿を先に作っておいて、後はそこにできるだけ物を乗せていくという。だからずっと、楽しく盛り付けができたという感じでした。いつもだったら、このシーンのアイディアが出ないから、次のシーンに移れない…みたいな苦しみがあるので、そういうことを考えずに作れたのが良かったのかもしれません。あと文房具という、もともと存在する物が題材というのも大きかったと思います。『ビルのゲーツ』だったら、仕掛けとかを全部ゼロから考えないといけなかったから。

──それでも苦労した点というのはありましたか？
登場させる文房具のチョイスですね。ヨーロッパ企画は何よりもまず、舞台美術を考える所から始めるんですけど、今回は一度「この文房具で」と発注してしまったら、最後までそれを使うしかなくなる…という美術だったので。でも文房具って死ぬほど種類があるから、どれを使ってどれを涙を飲んで切るかというのがすごく果てしなくて、その取捨選択が一番苦労した所でした。

──結局はどういう基準でチョイスしたんでしょう。
やっぱり、自分が普段お世話になってるような物じゃないと（脚本が）書けないかなと。その中から「どういう文房具が出てきたらみんな嬉しいかな？」というのと、話が膨らみそうな物というので考えたら、結局は誰の家にもありそうな文房具になりました。舞台に出したかったけど、いろんな都合で難しかった物は、じゃあ映像の方で使おうと。

──あの映像の使い方は驚きましたね。
アナログの劇って思わせておいて、結構ハイテクなことをやりましたよね。一昔前ならできなかった映像の使い方を、ちゃんとやれたというのが、今回一番ジャンプアップできたポイントでした。そういう意味では、アナログなこととデジタルなことの対比が上手く出た劇じゃないかなあと思います。

──見そうは見えないけど、実はいろいろ挑戦的な舞台だったと。
と、思うんですけどねえ。キャスティングもいつもとはガラッと変えてるし、女の子が中心というのもヨーロッパ企画では初めてだし。観た人には割と「ザ・ヨーロッパ企画だ」という風に言ってもらってるんですけど、実は実験したつもりなんですよ（笑）。

──実験を感じさせない気楽なテイストが「いつも通り」と思わせたのかもしれませんね。
かもしれませんね。今回「文房具コメディやります」って言ったら、みんな思い出したように文房具の話をするんですけど、その「思い出して」っていうのは、普段思考のピントがそこに合っていないってことじゃないですか？ 手元の物にもう一回ピントを合わせて、触って眺めるということ自体が、ある意味旅行っぽいというか、、バカンスになるという気持ちが僕にはあるんです。だからメッセージっぽいことはグッとこらえて、文房具を触る愉悦とか面白さみたいな所でやり切った感じがあります。それがなかなか難しかったポイントかもしれない。

──でも「やっぱり文房具っていいよね」と、嫌な気分にならずに帰れる芝居というのは、このご時世にはかえってありがたいかもしれません。
意外とタイムリーな作品になったかもしれませんね。でも一番は、文房具が好きな人に「これはたまらん」って思ってもらいたくて、そういう人たちに向けて頑張って作ったものなんです。だから文房具が少しでも好きな人にはぜひ見てもらいたいし、単純に「文房具をどうやって演劇にするんだろう？」と思ってる人にも来てほしいですね。本当に、ここまで文房具について徹底的にやった劇って、あんまりないと思いますから。

──遊星ブンボーグとは実は地球のことだった、という設定にまずヤラれましたね。
でもこれって後付けなんですよ。ミクロとマクロが同居する話にしたくてこういうタイトルにして、いつかどこかでつながるかなあ…と考えていました。まず文房具が大きくて、人の方が小さいというアイディアだけが先に出て来たんです。そこからいろんな設定が浮かんでくる中で、小さな宇宙人たちが地球に文房具を観に来るという、この形に落ち着きました。

──何にせよ、文房具はリアルに拡大するというのは決まっていたと。
だから最初は、美術家さんに「巨大な文房具ってどれが作りやすいですか？」と聞くところから始めました。どんな物でもできないことはないらしいんですが、巨大にしても説得力があったり、1つのシーンを持たせることができる物を選び抜きました。美術的に見栄えがしたり、勝算がありそうなものが優先で、ストーリー上必要だから…という、物語からのトップダウンの物はほとんどないです。

──普通は脚本に合わせて美術を作るのに、美術の都合で脚本が左右されるというのは、上田さんならではかもしれないです。
そうなんですよね。「こういう美術になりました」という結果を受けて「じゃあこれで最大限書こう」という話ですから。だから順番がおかしいといえばおかしい（笑）。でもモノや場所が先にあって、それに本をはめていくっていうのは、僕はすごく好きな方法なんです。映像でも、脚本ありきでそこに合わせてロケ地を探すよりも、先にロケ地があってから脚本を書く方が絶対僕は好きだし、むしろ自然なことなんです。

──地球人はバックスクリーンのライブ中継映像で巨大化して見せるという、あの映像の使い方を思いついたのは？
小人に対してさらに大きな人間を映像で出す、というアイデアは割とパッと出たんです。だけど色々ハードルもあって、特に、ずーっとその映像が出続けてなきゃいけない、となると映像のウエイトがかなり大きくなってしまって劇としてはどうなんだろう、というのが大きな懸念材料としてありました。なので、映像をうまくオンオフできるような設定はないかな、と考えていた時に、ノートパソコンの裏を舞台にするということを思いついたんです。昔だったら（借りぐらしの）アリエッティみたいな「床下のこびと」っていうようなことが、今ならパソコンの裏というのが身近な上に盲点だし、ネットワークの世界から逃れてアナログの物を見るっていう今回のテーマとも合うし、しかも開け閉めでオンオフができると。この設定が浮かんだ時は「よっしゃあ！」と思いました。

──じゃあパソコンの裏という設定を思いついたことで、あの仕掛けが実現したと。
そうそう。もちろん技術的なハードルもあったし、オンオフするにしてもなお、映像に頼りすぎることで演劇の大事な所が削がれちゃったらどうしよう…というドキドキもありました。でも一度（舞台）『TOKYO HEAD』で、ゲームを操作している手元を、中継映像を通して拡大して見せるということはやってましたからね。やっぱり一度試して、その実感を得ているのが大きかったです。

──とはいっても吉川さんや永野さんは、見えない相手に対して演技をしないといけないわけだから、かなり大変な役なのでは？
演劇として見本がないことに挑戦しているから、あの位置はすごく難しいと思います。だけど２人はうまくやってくれてますし、そしてやっぱり中継って異常に面白いというのが、今回の発見でしたね。デジタルの映像の人間と、生の人間の引っ張り合いも、すごくいい感じにやれていると思います。とはいえやっぱり、映像の力ってあまりにも大きくて、今後どんどん演劇の大事なところが映像に置き変わっちゃう予感がするので、注意深く使っていかないとなあとも思いました。

──最後の巨大ピタゴラ装置も面白かったですね。
ラストは宇宙人が、お別れする時に何か残していくのが王道だろうなと。とはいえそのリアクションをタブレットで撮っている、というのがとても絶妙な線なんですが（笑）。今回はたまたまですけど、デジタルの力をかなり借りた舞台になったので、最後ぐらいはアナログな所にグッと引き戻した方がいいなあということで、ピタゴラ装置を出しました。それを思いつくまでは、結構悩ましかったですけどね。

──先ほど「ネットワークの世界から逃れてアナログの物を見る」というのが、今回のテーマという話が出てきましたが。
特にここ最近ですけど、ネット上を飛び交ういろんな発言とかに、ついつい日々心が動いたりするんですよ。そればっかり見ていると、一体世界では今何が起こっているのか？ というのが、全然わからなくて不安になったりして。でも手元にある文房具とかをちゃんと見つめると、そんなことを忘れるなあという感じが、僕には何となくあるんです。別に危機感を抱いてるわけじゃないけど、みんなネットワークのオンラインの世界で生きていて、手元のアナログなことやオフラインの世界のことがどんどん希薄になっているんじゃないかと。

──最近のヨーロッパは、意外と現代の社会の雰囲気が反映された劇が続いていて、今回はちょっとそこから離れたかな…と思ったんですけど、実は文房具を見つめ直すことで、世界と自分の距離感を見直す的な狙いがあったと。
いやもう、バッチリそれですよ。本当に、今はとかく剣呑な時代に見えちゃうんで。だけど一方で手元のことに目を向けると、こんなにも世界は悠長に見えるからいいなあ、と。だから「なんて悠長な！」って（公演）キャッチコピーも、はっきり平和宣言ですね（笑）。剣呑な時代から逃避して、あるユートピアに着地するという。今やそっちが贅沢なことかなあと。文房具とかのアナログなものに向き合って、何かやる時間なんていうのは。

──平和で豊かな場所って、意外と自分の手元にあるんじゃないですかと。
そうなんですよねえ。こういうある過渡期みたいな時代だからこそ悠長な劇をやりたいと思ったし、実際いいムードのものができたという自負はあります。僕は割と時代を限定されない、ロングスパンの物を書くのが好きなんですけど、この劇は10年前に作っても、10年後に作っても全然違う話になったと思うんですよ。だからいつもなら、その時代を特定できるような固有名詞を出すことは避けるんですけど、今回は「まあいいや」と思って結構出しました。マスキングテープとか（笑）。

──まさに2015年だからできた芝居。
そんな感じがしますね。2015年を反映したというか、2015年っぽい劇になったなあと、珍しく思います。最初は、バカンスを終えた宇宙人たちがただ去っていくというので終わろうと思ったんですけど、この悠長な感じをもう少し続けたくなったので、みんなが引き返してくるラストにしたんです。でもまあ僕、残るのが好きですからね。世の中はどんどん動いていて、ここはもう終わってるのにまだ残ってるという状態が、劇の感覚としてすごく好きだから。

──念願の文房具コメディができたことで、今後の可能性はさらに広がったのではないかと思いますが。
それはすごく思いましたし、実際もっと実験的なことだってできるのかもしれない。でもやっぱり、自分だけでガッと行ってもしょうがないんですよ。お客さんや劇団メンバー、そしてスタッフが乗ってくれることが重要なんだなあと。だからもしみんなが「そういうのって全然ありだ」って言ってくれるなら、もっとミクロな劇や、逆にマクロな劇とか（笑）、モノクロの劇なんていうのもできるかもしれない。これからもいろいろ、ちゃんと「これ、できるかも」という空気を作っていきながら、珍しいものに挑戦していきたいと思います。

（取材：吉永美和子）